No.00243　パラソルを持つ女

『パラソルを持つ女』
ボヘミアン・イングレイヴィング・グラスの花瓶

チェコ　1930年代初期
30,3cm ×12,4cm
¥713,000-（税込10%）

この『パラソルを持つ女』は人の心をつかんで離さない、アールデコに於けるボヘミアングラスの最高傑作です。

印象的なルビーレッドと黒の色彩、グラスアート特有の透明感のコラボレーションは、オーソドックスなデザインのボヘミアン・グラスとは一線を画す真の芸術作品です。

高い技術により実現した本作は、作家による特別な落款まで存在する天才アーティスト渾身の作品です。

1.制作されたアールデコの時代における極めて芸術性の高いデザイン
1-1.当時最先端のファッションの女性
1-2.アールデコらしい幾何学模様
1-3.モネの『Woman with a Parasol』にインスピレーションを受けた構図
1-4.ジャポニズムの影響が見られる色使いと落款の存在
1-5.融合・昇華型のジャポニズム

2.ボヘミアングラスの最高傑作と言える作り
2-1.輝度と透明度が高く、硬く美しいカリクリスタルガラス
2-2.印象的な色合いの有色ガラス
2-3.被せガラスを生かしたデザイン
2-4.超高度なグラヴィール彫刻

3.アーティストがクリエイティブの主役となった時代の特別な作品

幾何学模様が特徴的なこの作品は、パッと見でアールデコと分かりやすいと思います。

さらに女性の水着や髪型などのファッションから1930年代であることが分かります。

若いエネルギーに満ちた華やかな水着の女性は、一見100％この時代の欧米らしいモチーフに思えますが、実はモネやジャポニズムの影響が見られます。

19世紀半ばに日本が開国して以降、日本美術は西洋美術に多くの影響を与えました。

その集大成とも言える、世界各地の芸術文化が見事に融合し、昇華した傑作アートです。

欧米の映画やドラマを観ていると、物語の年代によってはこのような髪型の女性が出てきますね。

アールデコの時代は女性が社会進出し、若さあふれるパワフルな女性たちが明るく楽しく人生を謳歌した時代です。男性に頼らず自分自身で稼ぎ、責任を持ち、その代わりに誰かのためでなく自分自身のために自由に好きなことをする。古い慣習から解放された女性たちはオシャレも目一杯楽しみました。その時代に流行したのが短い髪型です。

19世紀中後期頃から、消費や流行の主役は王侯貴族から中産階級の大衆へと移っていきました。

アメリカには元々王侯貴族は存在せず、フランスは1870年に普仏戦争でフランス皇帝ナポレオン三世が捕虜になってから帝政から共和制に再び移行、世界で最後まで王侯貴族が圧倒的なな力を持っていた帝政ロシアは1917年に革命で終わり、イギリス貴族すらも第一次世界大戦、続く第二次世界大戦によって力を完全に失い、大戦以降の時代は完全に民衆の時代になってしまいました。

"100年以上経過したもの"という、アンティークの言葉だけの定義で見るとアンティークジュエリーではあるものの、19世紀中後期以降は見るに堪えない大衆用のジュエリーも多く作られています。

その中でもまだ戦前であれば、明らかに別格の素晴らしさや美しさを放つジュエリーも、確率的にはかなり低いながらも存在します。

アールデコ後期になると本当に良いものは滅多に出てきません。

一見デザインは良さそうでも、デザインだけで作りが汚いものが殆どなのです。

そんな中でも、左のブレスレットのようにどうやって作ったんだろうと思えるような、超絶技法の作品も稀有な確率ながらも存在します。

花瓶の女性と同様のマーセル・スタイルの髪型は、1920年代後期から流行しました。

1930年代前半も引き続き流行しています。

左はロングヘアを後ろで留めてマーセル・スタイルにしているそうで、わざわざそのような工夫をしてまでこのスタイルにするなんて、いかに流行したかが伝わってきますね。

花瓶のアールデコの女性のファッションに注目してみましょう。

日傘にノーマルな水着、ハイヒールです。

アールデコのファッションと言えば、女性がコルセットから開放されウエストラインが見えないストンとした緩やかなシルエットが流行したのが特徴です。

これは夜の正装用のドレスです。チャールトンのリズムに合わせて踊れば、施された総ビーズが綺羅びやかに輝きます。

普段着もウエストラインが緩いスタイルが特徴のようです。水着はどうなのでしょうか。

海水浴が海に面した地域の人たちだけで行われていた古代〜近世にかけては、泳ぐためだけの『水着』といいう概念はなく、下着や普段着、裸などで泳いでいたとみられています。

そんな中、『ダイヤモンドの原石』でご説明した通り18世紀にリチャード・ラッセル医師が海水療法を提唱しました。

海水に浸かったり飲んだりする治療・健康法です。

自身の理論を実践するためにラッセル医師が訪れたのがイギリスのブライトンでした。実践された海水療法は王侯貴族からも人気を集めました。

その代表的な人物がイギリス王ジョージ4世です。

イギリスの王侯貴族は、現代の大規模な公共事業が個人の力でできるくらい半端ない大金持ちです。

個人が気に入れば地域全体を活性化することも可能です。

破産しかけるほど競馬好きだったジョージ4世は1788年にブライトン競馬場にグランドスタンドを建設し、競馬場は国内トップクラスのレースを開催するような王侯貴族の社交場として発展していきました。

豪華な別荘ロイヤルパビリオンも造り、公務がある時以外は全てブライトンで過ごしたと言われるほど気に入りの地でした。

1759年に海水療法を提唱したラッセル医師が亡くなった後も、ブライトンには海水療法を施すための医師がやってきて大いに賑わいました。

インド人外科医で起業家、旅行者のシェイク・ディーン・ムハンマドはジョージ4世に特に気に入られ、ジョージ4世、続くウィリアム3世のイギリス王御用達のシャンプー医（インド式マッサージ師）として活躍しました。

ブリテン島の南端にあり海水浴に適したブライトンは、王侯貴族の社交の中心地かつ有名リゾートとして19世紀中も発展していきました。1841年にブライトンまでの鉄道が開通するとロンドンから日帰りのアクセスも可能となり、毎年10万人を送客するようになりました。

ブライトンは『ダイヤモンドの原石』のような特別なジュエリーをオーダーするようなクラスの人物に加え、19世紀中期以降は中産階級もこぞって訪れるリゾート地となったのです。

緯度の高いイギリスは、同じ島国でも日本と違ってどこでも海水浴ができるわけではありません。

それだけにブライトンに人が殺到したわけですが、それだけ海水浴は人気があったというわけですね。

ジョージ4世が気に入って王侯貴族のためのリゾートとして発達していったブライトンですが、中産階級が台頭してきたヴィクトリア時代には1841年の鉄道開通以降グランド・ホテル（1864年）、ウェスト・ピア（1866年）、ブライトン・ピア（1899年）などの象徴的建築物が建設され、人口も1801年の7,000人程度から1901年には12万人を突破するに至りました。

1899年にできた桟橋であるブライトン・ピアはゲームセンターや遊園地があり、ジェットコースターも楽しむことができます。中産階級のエネルギーあふれる時代を感じますね。

19世紀中頃はまだ海水浴文化も発達しておらず、どちらかというと海水に浸かって楽しむ感じでした。

肌が透けないという目的は達成されていますが、スポーツ感覚で泳ぐには適さない感じですね。

男性の場合は泳ぎやすい形状のものもあったようですが、この時代は男性も肌を露出するイメージがあまりないですね。

1910年代は、腕は露出するスタイルになってるものの、女性は肌の露出が控えめな水着です。

提案されているのはワンピーススタイルですが、泳ぐには適さないですね。

しかしながらいつの時代も旧来の常識を刷新する、新しい感覚やパワーを持つ人は存在します。

そういう稀有な人物によって新しいスタイルが生まれます。

その一人がオーストラリア出身のプロ・スイマーでヴォードヴィル・スター、女優でライターのアネット・ケラーマンです。

肩書きからして、いかにも多才な感じですね。

ケラーマンは『水面下のバレリーナ』の異名を持つ有名な女優で、英仏海峡の水泳横断に挑戦した世界初の女性でもあります。

フリフリのワンピースの水着で遠泳は自殺行為です。それまでより肌の露出面積が高かったり、身体にフィットする泳ぎやすくデザインした水着を着用しました。

ビキニも一般的になった現代人の感覚からすると、これくらいはむしろ露出が少ないレベルですが、洋服のような水着が一般的だった時代においてはかなりセンセーショナルなものでした。

1907年に首回りや手足を露出したタイプの水着をボストンビーチで着用していたケラーマンは、公然わいせつ罪で逮捕されるという事件が起きました。

しかしながら体の線がはっきり出るタイプの水着は、大胆で活動的な新しい水着のスタイルを社会に示しただけでなく、女性の権利を拡大する運動が盛んだった当時、ケラーマンによる「女性が（活動的な）水着を着る権利」のアピールとして受け入れられました。

時代が下るとスポーツ目的ではなくファッションとしても、露出度が高く身体にフィットした水着が最先端ファッションとして受け入れられるようになっていきます。1920年代はまだ太もも全部を露出したスタイルではありませんね。

1935年に撮影された、ビキニ・スタイルの水着を着た女優の写真もありますが、これは例外的なようです。

ファッション史的に、ビキニが初めて発表されたのは1946年です。

1946年にマーシャル諸島のビキニ環礁で第二次世界大戦後初の原爆実験が行われ、原爆の小ささとその周囲に与える破壊力の大きさにちなんで、考案者のルイ・レアールによってビキニと命名されました。

命名、定義された年や考案者は一応存在するわけですが、あくまでもスタイルなのでいつから存在するのか厳密に語るのはナンセンスなことなのかもしれません。何しろビキニのような衣服自体は、用途は不明ですが古代ローマの頃からあったようです。

ちなみにビキニという名称で発表、世の中に提案されたのは1946年ですが、当時としては肌の露出度がかなり高く、あまりの大胆さから当時はほとんど着用されませんでした。アメリカでは1960年代初頭まで一般的なビーチでの着用が禁止とされたほどでした。

普段の洋服に続き、1930年代はどうやら水着が自由になり、多様性が増した時代だったようです。1920年代は水着が体にフィットしながらも太ももは布に覆われていましたが、一気に露出面積が少なくなり、デザインも多様化しています。若い女性がパワフルだった時代がこの写真からも伝わってきますね。

花瓶の女性の露出度の高い水着は、まさに1930年代初期の時代の最先端ファッションなのです。

さらに水着に合わせた女性の靴にも注目してみましょう。

いかにも仕立ての良い、手作りの革のハイヒールです。

まだ専門のビーチサンダルの概念がなかったのかもしれません。

この時代はまだ現代ほど衣服や靴も大量生産の安物の消耗品ではありませんから、さすがに砂浜を歩く時は裸足です。

一応サンダルタイプの靴は存在しますが、海水に濡れても良いタイプではなさそうです。

だからこそこの時代は上質なパンプスタイプのハイヒールと水着を組み合わせるのは特に違和感のないスタイルだったのです。むしろこの方が高級感がありますね。ビーチではしゃぐなら裸足かサンダル、リゾートっぽく楽しむならパンプスが適しているかもしれません。

女性の持つパラソルもとても印象的です。

日傘は昔から王侯貴族の高級でエレガントなアイテムとして憧れの存在でした。

時代がくだると王侯貴族だけでなく、女優のポートレートのアイテムとしても使われたりしています。

アールデコと言えば直線と曲線によるスタイリッシュな幾何学模様が特徴です。

透明な芸術だからこそどこから見ても美しい、全周のスタイリッシュなアールデコ・デザインが素晴らしいです。

GENは骨董屋の三代目として米沢で生まれました。

上杉藩の城下町で骨董全盛期だったため、優れた日本の美術工芸品に触れて暮らすことができる恵まれた環境に育ちました。

食事はお膳で戴き、使用人さんもたくさんいたそうです。

実母はGENを生んだ後、一度もGENを抱くことなく亡くなっているので写真は後妻の女性ですが、少年GENの左手をそっと握ってくれる、優しそうな美人さんです。

そんなGENは五月五日生まれなので、端午の節句には江戸時代の鎧を着て写真撮影をしたり、日本刀を振り回して柱を傷つけて大目玉を食らったりしていたそうです。

子供の頃は骨董屋の倅として生まれたことはラッキーだと思っていたそうで、和骨董に関する知識と共に感性も育むことができたようです。

最近は感性が鈍りがちだったようですが、嬉しいことにヘリテイジとして仕事をするうちに『冴え』が戻ってきたそうです♪

その"冴え"第一弾が『マーメイドの宝物』でした。

19世紀末のアールヌーヴォーの時代は日本美術がヨーロッパの王侯貴族や知識階級、芸術家たちに大いに持て囃され、『マーメイドの宝物』が作られたフランスのパリにも浮世絵コレクターが数多く存在しました。『マーメイドの宝物』はジャポニズムそのものではなく、日本美術とヨーロッパ美術が融合し、それが新たな芸術として昇華したアール・ヌーヴォー（新しい芸術）なので一見しただけでは分かりにくいのですが、GENの見事な冴えによりその事実が判明したのでした。
古い良いものを感覚的に理解し、さらに幼い頃からの知識も染みついているからこその『冴え』です。

アンティークジュエリー・ディーラーの中で、間違いなくGENはダントツで和骨董に詳しいです。

西洋美術と日本美術は別ジャンルとして扱われる傾向にあり、そもそもアンティークジュエリーに興味を持つ人は日本美術には全く興味を持たない人の方が多いので、美術や文化の統合的な理解という意味ではヘリテイジの独断場だと思います。

44年間もアンティークジュエリーを専門に扱っているので、GENはもちろん西洋美術に関しても詳しいです。

そんなGENがこの作品を見て閃いたのが、クロード・モネの『Woman with a Parasol』とジャポニズムです。

印象派を代表するフランスの画家クロード・モネは日本でも知らない人はいないくらい有名ですね。

日本では『散歩、日傘をさす女性』や『散歩、日傘の女』の題名で知られる『Woman with a Parasol』は、1875年に描かれた作品です。

この『散歩、日傘をさす女性』と同じ1875年に描かれ、1876年の印象派展に一緒に出品されたのがジャポニズムを代表する作品『ラ・ジャポネーズ』です。『ラ・ジャポネーズ』で描かれた女性も妻カミーユです。印象が全く違いますが、これらが同じ時期に描かれていることも興味深いですね。

これらの作品で注目すべきは、カミーユのとる体勢です。身体は後ろを向きつつ、頭だけを正面に向けている印象的な立ち姿です。西洋の人物画では正面を見た単純な姿勢や動きが感じられないものが多い中、異質な魅力を放っています。

『見返り美人』なんて言葉もあるくらいなので、現代日本人にとって見返り姿の美人という構図に特に新規性は感じないかもしれません。

菱川師宣の『見返り美人図』も学校の教科書などで、一度はご覧になったことがあるのではないでしょうか。

菱川師宣は17世紀の江戸時代初期に活動した浮世絵師の一人で、浮世絵を確立した人物であり、最初の浮世絵師です。

その代表作がこの『見返り美人』です。

顔が美人かどうかは時代や文化、さらには個人の好みによっても違ってきますが、女性らしい仕草や体勢に関しては永遠に共通するもののようにも感じます。

そのような美しさの表現手法は日本美術の随所に見ることができます。これは江戸時代後期に活躍した渓斎英泉の美人画です。渓斎英泉は独自性の際立つ退廃的で妖艶な美人画で知られる浮世絵師ですが、この2作も振り向きざまの構図が印象的です。単純な正面姿だと後ろ姿を描くことはありませんが、後ろ姿まで気を遣う日本の美しい着物や帯があるからこそ惹き立つ構図と言えるかもしれません。着物文化があったからこそ、日本美術はこのように発達したのかもしれませんね。

日本美術は小物を使った構図の取り方も秀逸です。単純に開いた傘をさすだけではありません。閉じて雪を払う姿だったり、さしながらも目線はまた別の所にあったり・・。とにかく生き生きとした動きが感じられるものが多いです。

この『ふぶく』は、吹雪による強い風が頭巾の様子からひしひしと伝わってきます。

面白いのはそれだけではありません。

身をかがめつつ傘をさす女性の傘のさし方から分かるように、か弱い女性の力では大きく広げられないほど強い風が吹いているのです。

構図の中にいる男性は傘を全開にしてさすことができていますよね。

女性のか弱さ、美しい振る舞いが見事に表現されています。

西洋美術では見られない構図、風を感じる頭部のベール、日傘という小物使いなどから、明らかにジャポニズムの影響がみられます。

一見完成形に見えますが、どうやらモネにとってこれは完成形ではなく試行錯誤していたようなのです。

1875年の『散歩、日傘をさす女性』のモデルとなった最初の妻カミーユは1879年に亡くなってしまったので、11年後に描かれた上の2つの習作はシュザンヌという別の女性がモデルです。戸外で日傘をもつ女性を下から見上げる構図は同じですが、体勢が異なりますね。

一番最初の見返り美人の構図は印象的でしたが、後のこの作は正直全然つまらない印象ですね。いかにモデルの体勢が大事かが分かるという意味ではとても面白いですが、モネも試行錯誤チャレンジしてみたということでしょう。

後ろ姿美しいこれら3作は全て葛飾北斎による作品です。後ろ姿の美人というモチーフながら、すべて少しずつ姿勢や小物の使い方が異なっており、そのどれもが印象的です。美術品が理解できない人たちならば「全員、後ろ姿の美人ね。ふーん。」で終わってしまうかもしれませんが、モネのように才能ある芸術家であれば、このような日本美術の恐ろしいまでのレベルの高さに驚嘆したことでしょう。だからこそ触発されて試行錯誤重ねたに違いありません。

そうは言っても才能ある芸術家、単なる真似に終わっていないのが興味深い所です。日本画の人物は目線が外してあるのが特徴です。観る者と目があうことはありません。上の2作はジャポニズムの影響がありながらも、目線は観る者とバッチリあうように描かれているのが面白いです。日本美術の良い所を取り込み、融合させつつ新たなクリエーションとして昇華させようとする試みが感じられます。

官能的すぎる『マダムX』と共にサージェントの代表作の1つとされるのがこの『カーネーション、リリー、リリー、リリーローズ』です。当時日本から輸出されていた盆提灯が多く配されており、ヨーロッパの上流階級の子供たちと共にある光景がとても不思議で幻想的な雰囲気ですね。

1884年に発表した『マダムX』によるスキャンダルから逃れるためにパリからイギリスに引っ越してきた直後の作品です。コッツウォルズのブロードウェイにあるファーナムハウスで、サージェントが1885年の夏を過ごしたイギリス式庭園が舞台となっています。

『清流』
アールデコ・ジャポニズム　ペンダント
イギリス　1920年頃
SOLD

金属への刻印は手作業の場合、先端にホールマークのデザインを施した難い素材の金属棒と金槌を使って行います。先端を刻印する部分に当てて、後ろからトンカチでコンと叩けば終わりです。

マスターとなる金属棒は制作する手間がかかりますが、マスターを1つ作ってしまえば後は誰でも簡単、素早く量産できます。

エングレーヴィングによるサインは、ある意味それ自体が1つの作品と言える特殊なものなのです。

ところでこのサイン、日本の落款のようだと思いませんか？

日本から輸出されたのは浮世絵や盆提灯、球根だけではありません。ヨーロッパの好みに合わせて輸出専用で作られた華やかな焼き物も多く輸出されました。その中には割合としては少ないですが、花押や落款が入った作品も存在します。

作家のサインである落款が入っていると特別な作品感、高級感が増しますよね。しかもただの文字のサインではなく、サインが記号化されているからこそデザイン的にもカッコ良いのです。

明らかにこの日本の落款が入った作家物の作品を見て、花瓶の作者は特別に作った自信作に落款を入れたのだと推測します。

『マーメイドの宝物』でもご説明した通り、一口に『ジャポニズム』と言ってもそのスタイルにはいくつかあります。美術工芸品の場合はスタイルは以下の通り分類できます。

スタイル1　日本の美術工芸品をそのまま使って生かす
スタイル2　欧米人が和のモチーフで制作
スタイル3　日本人が和のモチーフで制作？
スタイル4　ヨーロッパ美術と日本美術が完全に融合し、昇華

スタイル1〜3はモチーフ自体が日本のものなので、誰からみてもジャポニズムと分かりやすいです。

また、欧米人が頭の中で理解・解釈して表現する日本の美と、日本人が思う日本の美にはズレがあり、スタイル2、3も日本人であればすぐに見分けが付くはずです。

分かりにくいのがスタイル4ですが、本作品はスタイル4に該当します。

スタイル1、日本の美術工芸品をそのまま使って生かすというのは、例えば『秋の景色』のように日本の金工で作られた赤銅を生かし、ヨーロッパのジュエリー技術でブローチに仕立て上げる手法です。

モネで言うならば左がスタイル4、右がスタイル2と4が混ざった作品と言えます。『散歩、日傘をさす女性』はモチーフに日本のものがないので、一見ジャポニズムには見えません。しかしその表現方法から融合・昇華型のジャポニズムであると言えます。

セセッションのクリムトもジャポニズムに強い影響を受けたことで有名な芸術家ですが、彼の遺した作品も融合・昇華型の傑作ですね。

全く異なる文化と感性を元にした西洋美術と日本美術の完全なる融合、そして新たな芸術作品に昇華させるというやり方は、天才肌の芸術家にしかできない特別なことなのです。

ヘリテイジで扱う宝物では、モチーフは和ではないものの不思議な侘び寂びを感じる『静寂の葉』が該当します。

もう1つの宝物が『マーメイドの宝物』です。

欧米で特に評価の高い葛飾北斎の富嶽三十六景『神奈川沖浪裏』の波にインスピレーションを受けつつ、海の贈り物、天然真珠が黄金の波に抱かれた優しく力強く美しい姿へと昇華しています。

一見ジャポニズムには見えないジャポニズム。

この作品は天才的な芸術的才能を持った人物によって生み出された、特別な芸術作品なのです。