No.00283　摩天楼

この宝物のポイント

1. ロッククリスタルを使った異例のデザイン
　1-1. 稀少性が高い大型で美しい天然水晶
　1-2. ロッククリスタルを使った宝物
　1-3. ロッククリスタル産業とジュエリーの関係
　1-4. ロッククリスタルのハイエンドのアールデコ・ジュエリー

2. 摩天楼フィーバーに生まれた特別な作品
　2-1. 19世紀後期に発生した超高層建設フィーバー
　2-2. 美しき鉄とガラスの建築
　2-3. 摩天楼とバウハウスの融合
　2-4. 建築とジュエリーのデザインの関係

3. 見事な造形
　3-1. センス抜群のロッククリスタルのカット
　3-2. 驚異的な立体交差デザイン
　3-3. ロッククリスタルのための特殊なセッティング
　3-4. ファイアと煌めきの魅力抜群のダイヤモンド
　3-5.　ダイヤモンドの特殊なセッティング

4. アンティークジュエリーの最終形

この宝物が作られた1930年代は、世界の中心が大英帝国から移ったアメリカで摩天楼の建設フィーバーが起きていた時代です。宝物にも時代を反映してか、摩天楼を思わせるようなデザインと工法が感じ取れます。

世界初の鉄骨を使った超高層ビル（摩天楼）は、シカゴに建てられました。

42mで10階建てでした。

現代では10階建てはそれほど高く感じませんが、それまで石やレンガ造りのどっしりした建物が当たり前だった時代を考えると、相当なインパクトがあったことは想像に難くありません。

これにより、シカゴには超高層建築ブームが起きました。

1880年代から1890年代にかけて市内で建設された建物は『シカゴ・スクール』と呼ばれています。

シカゴ・スクールには際立った特徴がいくつかあります。

その1つが大きな板ガラスを使った広い面積の窓です。『シカゴ・ウィンドウ』と呼ばれました。

その他、軽量化のために外部装飾の量を制限する、鉄骨を備えた石積み（通常はテラコッタ）という特徴がありました。

天にも届きそうな超高層ビルは、高い技術の証です。

また、威厳に満ちており、見る者に技術力と共に格調高さ権力なども誇示することができます。

だからこそ人間心理を見れば当然の流れと言えるでしょう、シカゴとニューヨークの間で世界一の超高層ビルの、意地とプライドをかけた建築競争が発生しました。

この初期の建築競争を制したのはニューヨークでした。

1894年に完成したマンハッタン生命保険ビルディングは高さ106mで、初めて100mの高さを超えた超高層ビルとなりました。

1896年に完成した当時で世界で2番目に高いアメリカン・シュアティ・ビルディングも103m、21階建ての超高層建築でした。

尖塔やアンテナを含むとどうかという細かいことは多々ありますが、以降1974年までの長い期間の大半を、ニューヨークが世界一高いビルがある街として君臨することになりました。

アメリカン・シュアティ・ビルディングはマンハッタンのブロードウェイにあります。現代の感覚で見ても迫力がありますね。

装飾には古代ギリシャっぽい彫像や、古代ギリシャの象徴でありグリーク・キィとも呼ばれるメアンダーも使われています。

現代ではもっと高い建物に囲まれてしまっていますが、当時は世界一に相応しい威厳を格を皆が感じていたことでしょう。

この格段に高さのある建築を可能としたのが鉄骨構造と『カーテン・ウォール』でした。

世界最初のカーテンウォールは1851年、世界最初の万国博覧会で建てられたロンドンのクリスタルパレス（水晶宮）です。鉄骨構造の建築に鉄とガラスを組み合わせたプレハブ工法の先駆的な建物です。水晶の宮殿と名付けられるほどなので、実物はかなり美しかったことでしょう。透明な美しさは絵や画像では殆ど伝わりませんからね〜。

『カーテンウォール』は建築構造上、取り外し可能な壁です。建物の自重および、地震や風圧などによってかかる荷重は全て壁を除いた柱、梁、床、屋根等で支え、建物の荷重を直接負担しない壁をカーテンウォールと言います。日本の建物で言うならば間仕切り壁と同様なので、障子や襖を想像していただければ良いです。

従来の一般的な高層建築では鉄筋コンクリート構造を採用することが多く、外壁は柱や梁と同様に建物自体の荷重を支える他、地震や風圧によって建築物にかかる力に対抗する役割を果たしていました。

しかしながら19世紀後期以降、超高層建築の高層化がさらに進んだ結果、外壁自体の重量が設計上無視できない問題として浮上してきました。

そこで問題を解決するために採用されたのがカーテンウォールです。

建築物の荷重を支える構造は柱と梁によるものとし、外壁はそれらの構造物に貼り付けるのみとるす工法が開発されました。

これにより外壁荷重の軽量化、建物のしなりによる歪みの影響を極力小さくすることが可能となったのです。

そしてマンハッタンに1913年に完成したのが高さ241.4m、57階建てのウールワース・ビルディングでした。

ネオ・ゴシック様式で建てられており、最上部のゴシック様式の装飾が一際目を引くデザインになっています。

外装もさることながら、内装も豪華ですね。

ヨーロッパのゴシック教会を思わせる壮麗さから、オープニング・セレモニーではS.パークス・キャドマン牧師から『商業の大聖堂』と称されたそうです。

このビルのオーナー、フランク・ウィンフィールド・ウールワースは小売業で成功した実業家ですが、建設費である1350万ドルを何と現金で支払ったそうです。

アメリカンドリーム、恐るべしといったところでしょうか。

1910年代、アメリカがいかに力を付けていたのかが伝わってきます。

このニューヨーク摩天楼の先駆的建築のオープニングでは、当時のウィルソン大統領がホワイトハウスから全館点灯のスイッチを押したそうです。そして1913年の完成から1930年までの間、世界一高いビルとして君臨しました。

超高層建築物を可能にしたのが水圧ポンプと電動エレベーターなどの機械装置の発達でした。

現代の日本の簡素なエレベーターと違い、ウールワース・ビルディングのエレベーターは驚くほど豪華ですね。

この57階建ての建物にはエレベーターが34機あったそうです。

その後、第一次世界大戦による好景気もあり、1920年代にはニューヨークで摩天楼の建設ラッシュが起きました。1914-1918年までに第一次世界大戦で疲弊し、王侯貴族が主導した旧世界が終焉を迎えたヨーロッパとは反対に、破竹の勢いで発展するアメリカという国そのものを象徴するのがまさに天高く伸びる摩天楼群だったのです。

ここまでの超高層建築物を見ると、デザイン的には外観・内観共にヨーロッパを意識した、どこかクラシックな印象をお受けになったのではないでしょうか。

当時のアメリカにはヨーロッパの上流階級や文化への憧れがあったため、それを取り入れたものが多く存在するのです。1920年代くらいからアールデコを始めとする、建物や内装にもモダンな印象が強くなってくるのですが、建築物に関しては『バウハウス』の影響が大きいと言えるでしょう。

バウハウスと言えばモダニズム建築の源流であり、ファンも多いのでこの有名なデッサウ校のデザインはご存知の方も多いのではないでしょうか。

このデッサウ校舎もガラスのカーテンウォールで作られています。

バウハウスは1919年、ヴァイマル共和政期のドイツで設立された、工芸・写真・デザインなどを含む美術と建築に関する総合的な教育を行った学校です。

その流れを汲む合理主義的・機能主義的な芸術を指すこともあります。

学校として存在したのは1933年にナチスによって閉校されるまでの僅か14年間ですが、当時、他には類を見ない先進的な活動は『モダニズム建築』や『20世紀美術』として現代美術に大きな影響を与えました。

19世紀までの装飾性に富んだ歴史主義建築等と異なり、バウハウスのアーティストたちが生み出したデザインは極めて合理的かつシンプルなデザインでした。

そのため機械を使った大量生産に適しており、産業革命によって20世紀初頭に巻き起こった、製品の合理性を追求するモダニズムの流れの中で、バウハウスのデザイン手法も派生を繰り返しながら爆発的な広がりを見せて行きました。

ジュエリーにも同じことが起きました。1910年代のエドワーディアンから1920年代のアールデコ前期くらいまでは、モダンなデザインの中にクラシックさも感じられるデザインがありました。このクラシックな雰囲気を醸し出す部分は特に、高度な技術を持つ職人が1つ1つ丁寧に作業しなければ具現化できない箇所です。
アールデコ後期、1930年代頃からは高級品として作られたものであっても、楽して量産するための"手抜きのためのデザイン"、"大量生産のためのデザイン"になっていきます。手抜きして安っぽく見えることを誤魔化すために、ダイヤモンドだけはゴチャゴチャとたくさん使うようになっていきます。

古の教養と美的センスを持つ王侯貴族たちであれば、これらを見たら一瞬でいかにも安っぽい手抜き品と看破したことでしょう。しかしながら教養やセンスを持たない成金（庶民）たちは、「大きなダイヤモンドがたくさん付いてさえいれば高級品」という販売者側の宣伝文句を簡単に鵜呑みにして大金を払ってくれます。こうして手のかかる仕事は施されなくなっていき、美しいジュエリーを作る技術も失われ、戦後は完全にジュエリーは終わってしまったのです。

バウハウスはデザインの合理性から幅広い分野に影響を及ぼしており、特に理由がない限り現代でも標準的なデザインとして採用されています。バウハウスが発明した合理性を追求したデザインは、現代人が意識する必要がない程に日常化したと言えます。

進化したのはより手抜きしてもっともらしく見せる、コストダウン技術だけです（笑）

早く安く作る。でも、高そうに見せることで実際のコストには見合わないくらい高値で売る。金儲け的には賢いやり方ですが、こんなやり方をして楽しいのでしょうかね。心が腐りそうです。

高いから、高級ブランド品だからなどと、根拠のない理由で1点物の価値あるジュエリーだと思い込む人も少なくありません。1点物ならば、全世界に向けてネットで販売したり、そこらへんにたくさんある店で販売するなんて無理に決まっています。同じものをたくさん作っていることは、少し考えればすぐに分かることです。量産するために当然鋳造で作られているので、どれもボテっとした作りにしかなりません。

使う道具に機能美を求めたり、最低限の機能性があれば良いというのは通用しますが、ジュエリーにまでそれを適用してはいけません。それなのに適用してしまったから、ジュエリーがこのようにおかしなことになっているのです。

現代ジュエリーは同じようなデザインのつまらないものばかりですが、そのタネは既にバウハウスの少し前の時代から存在しました。

歴史を見て行くと、国家レベルで芸術文化が花開くその背景には必ずキーとなる大きなパトロンが存在します。

莫大な財力を持ち、制度にも影響を与えてバックアップすることが可能な"君主クラスのパトロン"です。

ドイツのバウハウスの場合は、ザクセン＝ヴァイマル＝アイゼナハ大公ヴィルヘルム・エルンストでした。

大公自身には芸術的センスが全くなく、気難しい性格で狂暴な上に怒りっぽい人物だったと言われていますが、その豊かな財産を文化の領域に費やし、治世下で『新しいヴァイマル』という文化状況を生み出しています。

このヴィルヘルム・エルンストが大公に就任してさっそく招聘した芸術家の1人が、ベルギーの建築家アンリ・ヴァン・デ・ヴェルデでした。

アールヌーヴォーの人ですね。

『アールヌーヴォー』という言葉は、1894年にベルギーの雑誌L'Art moderne(現代美術)において、ヴェルデの芸術作品を形容する言葉として用いられたのが最初です。

そのヴェルデが1895年にオープンしたサミュエル・ビングの店『Maison de l' Art Nouveau』（アールヌーヴォーの店）の内装を手がけ、ビングが当時評価の高かった芸術作品、美術工芸品を企画展示・販売しました。店はアールヌーヴォーの発信地として一躍有名になり、さらにアールヌーヴォーが独自に拡大しながら想像を遥かに超える大流行を起こし、「ヴェルデ、ビングと言えばアールヌーヴォー」というようになったのです。

しかしながら様式全体を指す言葉になっていった『アールヌーヴォー』は、彼らが意図したような真の芸術ではなく、流行に乗って金儲けだけをしたいと群がる無数の人々によって作り出された粗悪品の大流行に飲み込まれていきました。それをビングとヴェルデは「はびこる粗製濫造の装飾品」と告発しましたが、この大流行はヨーロッパにおいてアールヌーヴォーの記憶を長きにわたり汚すことになりました。

真面目にこういう作品を作っていた才能ある人物からしたら、「え！？俺、そういうのと違うし！！！」と言いたくなりますよね。才能豊かな芸術家は、アールヌーヴォーという世界的大流行を作り出すほどの作品を完成させ、名声を得て成功してもそこにとどまることはありません。新たなる高みを目指します。

ヴァイマル大公に招聘されたヴェルデは、大公の後援を得て1902年ヴァイマルに私設の『工芸ゼミナール』を設立し、1908年に『大公立美術工芸学校』に発展しました。さらに1911年にはヴェルデの設計による工芸学校の校舎が建てられました。

その間、ドイツ国内でも様々な動きがありました。

1906年にドレスデンで第3回ドイツ工作展が開催されたのをきっかけに、ドイツの産業育成を目指し1907年にミュンヘンでドイツ工作連盟が結成されました。

その当初の目的は製造メーカーとデザイナー・設計家が協力することで、グローバル市場でドイツ企業の競争力を向上させることでした。

大英帝国やアメリカ合衆国に対抗する力を付けるためのものでした。

そのためには伝統的なモノづくりを大量生産に移行させることが一番重要で、芸術的な動きというよりは産業的な動きと言えるものでした。

ドイツ工作連盟には当初12名の建築家と12名の企業が参加しました。

この中にはベルギー人であるヴェルデも含まれていました。

左は第1回ドイツ工作連盟ケルン展で展示された、ブルーノ・タウトによる有名なグラス・パビリオンです。

この展覧会ではモデル工場やモデル劇場も出展されており、画像は入手できませんでしたがヴェルデはモデル劇場を設計しています。

このグラス・パビリオンはドイツのガラス産業協会が資金を提供し、建築用の様々なタイプのガラスの実証実験のために作られました。

この作品は機能性のみを重視というよりは、手間もかかる芸術的な要素も強く見られますね。

しかしながらこの展覧会は1914年という時代からも分かる通り、第一次世界大戦の勃発により早めに終了し、建物は予定より早く解体されてしまいました。

このケルン展後、ヴェルデとプロイセン政府の建築家だったヘルマン・ムテジウスの間に『規格化論争』が勃発しました。

ムテジウスは明治時代の日本に赴き、明治時代の首都計画である『官庁集中計画』に建築技師として従事したり、市ヶ谷のアトリエのご近所である東京の麹町に作られた日本で初めてのドイツのプロテスタント教会の設計も担当した人物です。

その後、1896-1903年の期間は「プロイセン政府の官吏としてロンドンの大使館に勤務し、ウィリアム・モリスの提唱したアーツ＆クラフツ運動から大きな影響を受けました。

1904年には『イギリスの住宅』（Das englischer Haus）を刊行し、ドイツ国内ではアーツ＆クラフツの紹介者として知られるようにもなりました。

実はヴェルデもアーツ＆クラフツから大きな影響を受けている人物の1人です。

左の『レッドハウス』は建築家フィリップ・ウェッブとモリスが共同設計したアーツ＆クラフツ建築で、モリスの私邸です。この作品に触発されてデザインされたのが、右のヴェルデの私邸『ブロメンヴェルフハウス』です。家とインテリア、家具に至るまでをヴェルデが設計しています。

このように同じウィリアム・モリスのアーツ＆クラフツに強く影響を受けた2人ですが、解釈と実践の仕方には大きな違いが出ました。

2人とも産業化に伴う俗物根性や成金、粗悪な機械生産品を忌み嫌い、それらが氾濫する社会を文化的危機として危惧していました。ムテジウスは品質性という古くから存在する価値を擁護しつつ、デザインの模倣や珍奇を生み出す原因が、倫理的な行動を行わない製造業者にあると考えました。

珍奇で悪趣味なものを製造せぬよう、規格を作って遵守させようとしたのがムテジウスです。

規格化は製品を単純化させることでコストダウンになり利益にもつながりますが、単にそれだけではなく、ムテジウスは視覚環境の醜悪さから文化的国民性を救い出すことにもなるはずだと考えたのです。

機械製品の『規格化』を通して美的環境の質の回復を求める方針に立ちました。

それは個人主義に基づく創造的なデザイナーの制作活動を著しく制限するものであるとして、ヴェルデが異議を唱えました。

これがドイツ工作連盟で勃発した『規格化論争』です。

醜悪な視覚環境から大多数の消費者を救い出すために、量産に必要不可欠な『規格化』を認め、そこから統一化された機械製品が生み出される文化の形式を是とするムテジウス。

一方で、個人主義的唯美主義に動機づけられて創造される、統一性よりはむしろ多様性をその特徴とする文化の形式を是とするヴェルデ。

両者の間には明らかに大きな隔たりが存在していた。

しかもどちらの主張も、間違いとも正解とも言い難いのです。

そもそも消費者が醜悪な製品は選ばなければ、市場から淘汰され消滅する運命にありますが、美的感覚のない消費者は商売人の上手な宣伝文句に踊らされて買ってしまうのです。

いつまで経っても醜悪な製品は消え去りません。

だから消費者任せにせず、規格化することでそもそも市場に醜悪な製品が出ないようにしようというのがムテジウスですね。

かと言って規格で芸術家を縛ると、芸術的には全く面白みのある作品が生まれてこなくなるという、痛し痒しな話です。この論争で多くの支持が集まったのはヴェルデでした。しかしながら第一次世界大戦によってドイツ国内にいられなくなったベルギー人のヴェルデは、同じくドイツ工作連盟の初期メンバーだったヴァルター・グロピウスに後継者として工芸学校を託し、1915年にドイツを去りました。

第一次世界大戦に敗戦後、1918-1919年にドイツ革命が起こり、ドイツ帝国は崩壊して大公の統治は終焉を迎えました。

ヴァイマル共和国が成立すると、工芸学校と美術学校が合併して『国立バウハウス・ヴァイマル』が設立されました。

初代校長としてグロピウスが就任し、1919-1928年に初代校長を務めました。

このためバウハウスは、インダストリアルデザインを行うドイツ工作連盟の理念に大きな影響を受けています。

設計革新と根本的に簡素化したデザインによって合理性と機能性、大量生産が、個々の芸術的精神と調和するという考え方です。

グロピウスは1919年の創立宣言で、

「芸術家と職人の間に本質の差はない。階級を分断する思い上がりをなくし、職人の新しい集団を作ろう！」

と呼びかけました。

Genもルネサンスのカタログで宝物をご紹介する際、「芸術家が作った」ではなく「アーティスティックな才能を持つ職人が作った」とよく表現していました。

グロピウスの話は知らないので受け売りではないはずですが、本質を感覚的に理解して、評価の高い有名人物たちと本質的に同じことを言っているのが興味深い所です。

さすが、日本でアンティークジュエリーという市場を作ったレジェンドだけあります（笑）

さて、ヴェルデが設計した旧工芸学校の校舎を使用し、以後バウハウスは様々な優れた作品を生み出していくことになりました。

1925年にはヴァイマルからデッサウに移転し、『市立バウハウス・デッサウ』となりました。デッサウ校の校舎はグロピウスの設計で、当時最先端の建築デザインかつモダニズム建築の代表作として各国に紹介されました。1928年にグロピウスは校長を退き、後継者にハンネス・マイヤーが指名されました。

第2代校長となったマイヤーはムテジウスの系譜に連なっており、唯物論の立場から全てを規格化・数値化・計量化し、合目的性・経済性・科学性を徹底的に重視させました。

これによりドイツ表現主義的な審美性は無くなり、有名な"バウハウスらしい"表現へと変化していきました。

このマイヤーの手腕でバウハウスは初めて黒字を生み、国際的な評価が高まり、バウハウスのデザイン活動は最高潮に達しました。

通常、芸術性を求めると黒字化は困難ですからね。

優れた手仕事にのみ芸術が宿るという思想の元、中世のギルドの精神に立ち返りモノづくりを行ったモリスのアーツ＆クラフツの活動も、結局ビジネス的にはうまくいきませんでした。

高度な技術を持つ丁寧な手仕事にはコストがかかり過ぎるため、万人のための安価な大量生産品づくりには向かないのです。

その結果、1930年にマイヤーは解任され、ルートヴィヒ・ミース・ファン・デル・ローエが第3代校長に就任しました。

1932年にはデッサウ校は閉鎖され、首都ベルリンに移転して私立学校になりました。

第3代校長ローエの方針は、デザイン活動の方向性としては合目的性・経済性・科学性を重要するマイヤーの方針を継承しつつも、政治色を払拭するものでした。

しかしながら結局1933年、ナチスに閉校される前にバウハウスはローエによって解散しました。

同年、ドイツ工作連盟もナチスによって解散させられています。

しかしこれでドイツの優れた芸術家たちの活動が途絶えたわけではありませんでした。

バウハウス閉鎖後、関係者の中には強制収容所の設計・建設に協力した者や強制収容所で獄死した者もいましたが、国外に出て活躍し、多くの成果を残した人も多数存在しました。

近代建築の三大巨匠として有名な第3代校長ローエは、学校閉鎖後アメリカに亡命しています。

アンティークジュエリーでも、アーティスティックな優れた職人が凝りすぎて予算を遥かにオーバーしてしまったなんてことは結構あったのではないかと思います。

「凝りすぎちゃった、テヘペロ。でも、良いものができたから良いよね♪」

確かに予算オーバーは困ります。

でも完成した作品が十分に素晴らしければ、むしろありがとうと気前よくお金を払い、次もオーダーし、良きパトロンとして優れた職人をバックアップするくらいじゃないとダメですね（笑）

アーティストに対して訴訟なんて起こしたら、自由な芸術活動なんてままならなくなってしまいます。

まあでも、それには莫大な財力を持っていないと無理ですが・・・（笑）

ファンズワースさんは明細を見て、笑い飛ばして「こんなに素晴らしい別荘を完成させてくれてありがとう！」と言えるほどのお金は持っていなかったということでしょう（笑）

ちなみにローエをバウハウスの第3代校長として推薦した初代校長グロピウスも、学校の閉鎖後はドイツを脱出しています。

1934年に亡命した先がイギリスでした。

しかし1937年にはハーバード大学に招かれてアメリカに赴いています。

世界の経済活動の中心がアメリカに移行したこの時代に、優れた人々がアメリカに集まるのは当然の流れではありますが、特に優れた建築家にとって活躍の場となるのがアメリカとも言えました。

1930年代の世界の超高層ビルのランキングは以下の通りです。

トップ10は全てアメリカで、ほぼ全てがニューヨークにあります。

1930年代でどれも200mを超える高さがあり、一番高いエンパイア・ステート・ビルは102階で381mもあります（最頂部は443.2m）。

ところでアメリカ強しと言えども、少し前までは圧倒的な世界の中心だった大英帝国に、ランキング入りしたビルが1つもないことに疑問を抱かれた方もいらっしゃるのではないでしょうか。

第一次世界大戦による好景気もあり、1920年代にはニューヨークで摩天楼の建設ラッシュが起きました。

1929年にウォール街で世界恐慌の幕開けとなる株価の大暴落が起こったものの、意地とプライドをかけた摩天楼ラッシュに関しては勢いは止まらず、1930年代に入っても益々加速しました。

国際的に高い評価を得たバウハウスの影響もあって、摩天楼も伝統的なヨーロッパ・スタイルを思わせるようなものから、もっとモダンなデザインへと進化をしています。

これは最も優れたデザインの超高層ビルの1つと称されるリーバ・ハウスです。

1936年にシカゴで結成された、アメリカ最大級の建築設計事務所で、翌年1937年にはニューヨーク事務所も開いているスキッドモア・オーウィングズ＆メリル（SOM）の作品です。

本社のあるシカゴでは、1938年からアーマー大学建築学科でバウハウス第3代校長のローエが教鞭をとっていましたね。

SOMは特に超高層ビルで高い評価を得ており、鉄とガラスからなる箱状の『インターナショナル・スタイル』と呼ばれるモダニズム建築様式を世界中に広めたと評価されています。

インターナショナル・スタイルは国際的な展開をしていた近代建築において、個人や地域などの特殊性を超えて共通の様式に向かおうとする様式を言います。リーバ・ハウスはインターナショナルスタイルの精髄とも呼べる簡素なガラス箱のような摩天楼で、ニューヨークに建てられた最初のガラス・カーテンウォール工法の建物です。

このインターナショナル・スタイルの代表例として挙げられるのが、バウハウス第3代校長のローエの一連の作品です。

ローエが設計したニューヨークのシーグラム・ビルディングも、SOMのリーバ・ハウスと並んで最も優れたデザインの超高層ビルと評価されています。

ガラス・カーテンウォール工法によるシンプル設計のみならず、ブロンズのフレームとトパーズ・グレイのガラスで構成された色合いのカッコ良さが素晴らしいですね。

この美しいガラスの塔は当時の建築界のみならず、社会にも大きなインパクトを与えたと言われています。

現代の感覚で見ると革新性は感じられないかもしれませんが、それはこの芸術作品の成功の証とも言えるでしょう。

作品が当時革新的なインパクトを与え、見本となって続く作品がたくさん作られ、スタンダードとなったことに他なりません。

傑出した才能によって生み出された作品が、次の時代を作っていくのです。

もはや何のページだっけと思われてしまいそうな気もしますが、主役はこの宝物です（笑）

1930年代に作られたこの特別な作品は当時の最先端、いえ、むしろもっと先の時代のアーキテクチャを彷彿とさせるようなデザインに感じるのです。

まるで次の時代を作り出した、バウハウスの才能ある建築家がデザインして生み出されたかのような・・。

Genもルネサンスのカタログで何度も言及している通り、ルネサンスの時代は建築家が最初の勉強としてジュエリー制作をやっていたと言われています。

16世紀の最も偉大なる肖像画家の一人とされるイングランド王室の宮廷画家ハンス・ホルバインも、余技としてジュエリーのデザインなどを行なっていました。

稀代の才能を持つホルバインはキャリアの最後まで新しいものへのチャレンジ精神も旺盛で、暖炉や砂時計までデザインしています。大企業でサラリーマンをやっていた感覚からすると、日本人は専門性の高いスペシャリストを好み、幅の広いジェネラリストを嫌う傾向にあるように感じますが、才能ある天才の中にはこのように多方面で才能を発揮できる人も存在します。特にルネサンスの時代は多方面で輝かしい才能を発揮する天才たちが数多くいたように感じます。

同じくルネサンス期の神聖ローマ帝国の宮廷画家として活躍したジュゼッペ・アルチンボルトも非常に多彩な人物でした。伝統的な宗教画に加え、それ以外の絵画はもちろん、宮廷の装飾や衣装のデザインも手がけています。さらには祝典や馬場槍試合の企画、楽器の発明、水量技師でも非凡な才能を発揮した多才な人物だったそうです。

パトロンであった神聖ローマ皇帝ルドルフ2世も教養に富んだ優れた文化人と言われており、才能ある芸術家が思う存分活躍できる環境を与えた結果なのでしょうけれど、それにしても多才ですね。

そういうわけで、特別な芸術的才能に恵まれた人物は特定の種類のモノをデザインするだけでなく、トータル・デザインというものが可能でした。

だからアーツ＆クラフツ運動を提唱したウィリアム・モリスは自宅を設計し、さらには生活を精神的に豊かにしてくれる壁紙やテキスタイルの柄もデザインし、ステンドグラスや本の装丁のデザインまで行なっているのです。

アールヌーヴォーと、さらにモダニズムへの移行を促したことで有名なアンリ・ヴァン・デ・ヴェルデも肩書きは建築家ですが、内装や調度品もトータルで手がけています。

サミュエル・ビングの『アールヌーヴォーの店』では内装を手がけていますし、その他の様々な建物を内装から調度品を含めてトータル・デザインしています。

スコットランドの産業都市グラスゴーで19世紀末芸術家集団『The Four（4人組）』を結成した、グラスゴー派のチャールズ・レニー・マッキントッシュも建築家、デザイナー、画家などの肩書きを持つ多才な人物でした。

マッキントッシュの素晴らしい作品は多々ありますが、私が特に好きなのはウィロー・ティールームズです。

19世紀末と20世紀初めにオープンした多くのグラスゴーのアート・ティールームの中で最も有名なのが、1903年にオープンしたウィロー・ティールームズです。

優れた建築家であるだけでなく、デザイナーや画家としても優れていたマッキントッシュが手がけたトータルデザインは、ヴィクトリア朝が終わったばかりのイギリスとは思えないモダンな印象があります。

現代的というよりは、今見ても未来的に見えると言っても、過言ではない気がします。

素人が部屋の模様替えしようとしても、意外と難しかったりします。適当に選ぶとチグハグになってしまったりします。また、理想のデザイン且つ適した完璧なサイズの家具を揃えるのも大変です。だから少なくとも古い時代は建物を設計する建築家が内装、家具、調度品に到るまで、トータルでデザインすることが当たり前のように行われていました。

全てオーダーメイドだなんて、相当お金がかかる贅沢なことですが、とてもオシャレです。

アート・ティールームも女性のためには明るく、男性のためには暗くなど、様々な部屋の内装には各種テーマがあり、それに合わせてトータルでデザインしていました。

インターナショナル・デザインの摩天楼で有名なローエも、素晴らしいトータル・デザインができる人物でした。

バルセロナ・パビリオンも建物自体が非常に芸術的ですが、内装や調度品も素晴らしいです。

左の大理石の模様をうまく使った仕切り壁は圧巻ですね。手前の柱もセンスが光ります。その奥に見える椅子は現代でも有名な『バルセロナ・チェア』です。

この角度からもカッコ良いですね〜。

傑出した才能を持つ人物がトータルでデザインするからこそのアートです。

3次元を含めたトータルデザインができる、優れた芸術家たちがジュエリー・デザインもできることは間違いありません。

制作に関してはまた別の特殊な才能が必要なので、どんなケースでも、デザインした本人が実際に制作していたわけではなかったでしょう。

この宝物はバウハウスの優れたデザインが世界に波及し、アメリカで摩天楼ラッシュが起きていた1930年代に作られた作品です。

トータルデザインができる当時の優れた建築家、ひょっとしたらバウハウス関係者の誰かがデザインしていてもおかしくない特別なデザインです。

むしろそのような人物が特別にデザインしたと考えた方が、しっくりきます。

ぜ〜んぶ同じにしか見えない、同年代の他の高級ダイヤモンド・ジュエリーと比べて、このブローチは全く作行きが異なることは一目瞭然だと思います。

この年代はハイジュエリーの主要購買層が、旧来のヨーロッパの王侯貴族からアメリカの成金富裕層に移っています。

だからジュエリーのデザインや作りも、選び方がよく分からない、教養もセンスのない成金向けのものが大半となっているのです。

特徴としては、とにかくダイヤモンドをたくさん使うことで、"ダイヤモンドの総カラット数が多いから高級品"と成金に訴えやすい商品です。

デザインに個性がなく、似たり寄ったりなのも特徴です。

この現象はベルエポックの時代のパリと同じとも言えます。

ナポレオン3世が普仏戦争でドイツの捕虜となり、フランスが再び帝政から共和政に移行し、驚異的な戦後復興を遂げたパリで需要を牽引したのは中産階級の若い女性たちでした。

彼女たちも教養やセンスはないものの、高そうに見える成金ジュエリーは大好きでした。

そんなベルエポックのパリで流行したのがゴールド・チェーンでした。

特にミドルクラス以下は、かなり似たようなデザインが多いです。

独自の美的センスを持たないが故、皆と同じ物の方が安心ということなのでしょう。

個性ある素敵なオシャレができるのは、絶対的な美的センスと教養を持つ人だけです。

さらには、

「ジュエリーってよく分からないけど、とにかくゴールドって高いのよね？」

という感じで、無知な中産階級向けに、高級な印象があるゴールドという素材で訴求したのでしょう。

確かに古い時代はゴールドは超高級素材でした。しかしながら1948年にカリフォルニアで砂金が発見され、ゴールドラッシュが起きてからはかなりゴールドの価格は低下しています。1880年頃からのベルエポックの時代は、金は王侯貴族ら教養と財を持つ真の富裕層にとってはただ単独で成立するほど特別な高級品では既になくなっています。

しかしながら最新の知識をアップデートしていない無知な中産階級にとってはまだ「金ってお高いんでしょ？」というイメージがあるため、ベルエポックの時代のフランスではゴールドジュエリーが大流行したわけです。

同時代、他の国ではベルエポックに大流行したようなタイプのジュエリーは作られていません。

イギリスもオーストリアも君主政でした。

教養と美的センスを持つ王侯貴族たちは、無知な中産階級が適当な宣伝文句で踊らされて買うようなつまらない安物は絶対に身に着けません。

さらにその王侯貴族が国民たちのファッションリーダーとなるので、中産階級たちもフランスの中産階級をファッションリーダーとしてモノマネするなんてあるわけがないのです。

笑えるのが、ダイヤモンドがふんだんに使用されているこのブローチも、南アフリカのダイヤモンドラッシュによってダイヤモンドの価値が格段に低下した後のものです。

教養と美的センスを持つヨーロッパの王侯貴族だったら絶対に好まないジュエリーです。

その点でこの宝物は、教養のある人が見れば明らかに驚くほどお金と手間をかけて作られていることが分かる最高級品で、センスのあるヨーロッパの王侯貴族がいかにも好みそうなブローチです。

でも、それ以上にこれはコンテストジュエリーとして作られたのではないかと直感的に感じます。

20世紀は国を超えてデザインが進化し、新しい時代を彷彿とさせるモダンな建築物が次々と建てられた時代でした。

残念ながら実現はしませんでしたが、このタトリンが設計した第三インターナショナル記念塔は"鉄とガラスを使ったロシアン・アヴァンギャルドの象徴的作品"と言われています。

世界の中心だったにも関わらず、建築制限のせいでこの時代らしい有名建築物が思い浮かばないロンドンだけ見ていると分からないのですが、世界ではモダニズム建築競争が起きていたと言っても過言ではない時代でした。

これも面白いデザインで作られた、ロシアン・アヴァンギャルドのラジオ塔です。

大きな建築物は目立つので万人に訴求する力があり、国家としても技術力や文化レベルのPRになるので、各国力が入ったのでしょう。

国家事業でなくとも、愛国精神がある人々は国家のために力を尽くします。

そうやって各国ヒートアップした先進的でデザインに優れたアーキテクチャを明らかに意識していると見られる作品が、やはり1930年代のリングに1つありました。

10年前にルネサンスでご紹介した、Genがかなり好きな宝物です。

この角度だけだとどう傑出しているかが分かりにくいと思いますが、いくつかの角度で見ると明らかです。

あっと驚く構造デザインですよね！♪

どの角度から見ても非常に芸術性の高い、高度に設計デザインされた作品です。このような作品は他には見たことがなく、流行デザインではなく明らかに特別にデザインして制作されたものです。

"傑出したコンテスト・ジュエリーあるある"なのですが、一球入魂、採算度外視して魂を込めて制作するので同じようなものは基本的に作ることができないのです。

これを作るのにかなりの技術と手間がかかったはずです。

さらに、ジュエリーとして100年近くの使用に耐える耐久力を持たせつつ、これだけのデザイン的な面白さや美しさを両立させるためには、デザインする人物もかなり頭を悩ませたはずです。

このアーキテクチャ的面白さは、当時最先端の技能を持つ優れた建築家がデザイナーとして関わっていたに違いありません。

世界遺産となった、ガラス・カーテンウォールを使った初期モダニズム建築ファグスの靴型工場を設計し、初代バウハウス校長として超有名なデッサウ校舎を設計したヴァルター・グロピウス。

「芸術家と職人の間に本質の差はない。階級を分断する思い上がりをなくし、職人の新しい集団を作ろう！」

絵画を描いたりするだけならば職人ではなく芸術家と言えるでしょう。

でも、建築物もジュエリーもデザイン画を描くだけでなく、制作によって具現化しなければなりません。

優れた建築物やジュエリーを作るのはただの芸術家では無理で、アーティスティックな才能を持つ職人です。

フラットな意識で、様々な確信的なことに喜びをもってチャレンジできるアーティスティックな職人。

そういう人物が意地とプライドをかけ、魂を込めて作り出したのがこの宝物なのです。

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